Работы привезли в южную столицу из северной, из частной коллекции Данагуль Толепбай, галериста и коллекционера, основательницы галереи Pygmalion. В Алматы их можно будет видеть до 26 января 2020 года. Куратором выставки и автором текстов каталога к ней выступила Екатерина Резникова, кандидат искусствоведения, член Союза художников Республики Казахстан, ученый секретарь Государственного музея искусств РК имени А. Кастеева. Каталог получился совершенно изумительным — наполненным подробной информацией практически о каждой работе, представленной в коллекции. И никто лучше профессионала, знающего все тонкости своего дела, не смог бы так детально рассказать обо всех особенностях этой выставки. Но каталог не вместит в себя живую энергию экскурсии, и, пользуясь случаем, мы проведем ее эксклюзивно для наших читателей.
— Екатерина, в чем ценность новой экспозиции музея? В чем ее исключительность и уникальность?
— Выставку можно назвать раритетной уже потому, что имена, представленные на ней, действительно являются знаковыми в мире искусства. Уровень коллекции, которую собирали 25 лет, заслуживает внимания самых изысканных ценителей. Когда мы занимались организацией выставки, то понимали, что это будет прекрасным событием в жизни города на рубеже 2019 и 2020 годов, потому что открылась она 22 ноября этого года и продлится до 26 января следующего. Сама экспозиция получилась очень атмосферной и интересной с точки зрения дизайнерского решения организации пространства. Важным событием стал и тот факт, что выставка сопровождается изданием каталога.
— Мы видим, что экспозиционный зал разделен на две части, которые в то же время гармонируют друг с другом.
— Экспозиция строится таким образом, что выставка представляет две основные линии коллекции — это западноевропейская печатная графика и японская. Они как бы смотрят друг на друга, ведут диалог, учатся, как это и происходило в действительности. При этом ни одна работа в этой экспозиции не спорит с другой, и можно спокойно ознакомиться с каждой в отдельности.
— Но в центре двух сторон света расположился Дюрер...
— Альбрехт Дюрер является ярким представителем эпохи Возрождения и, по сути, служит символической отправной точкой в развитии техники ксилографии и гравюры на меди. Его композиции иллюстрируют библейские повествования, и он изображает их так, будто сам является свидетелем происходящих событий. Он — крупнейший немецкий живописец и гравер, родоначальник европейской акварели, механик, архитектор, теоретик искусства, и потому экспозиция в зале начинается с него.
— Необычно видеть здесь рисунок Ренуара...
— Огюста Ренуара мы больше знаем как мастера, оставившего нам живописные портреты и пейзажные композиции, но он также передал нам немало этюдных зарисовок. Такова его «Женщина с лозой», являющаяся апофеозом изобилия плодородной земли в образе женщины.
— И мы можем видеть здесь одну — зато какую! — работу Пикассо.
— Универсальный художник, владеющий самыми разными стилистическими направлениями. Безусловный мастер. Испанец, который приехал в Париж в начале ХХ века и сразу привлек внимание зрителей, критиков и арт-дилеров нетрадиционностью своего художественного мышления. Здесь представлена одна из композиций голубого периода Пикассо, но в технике литографии, позволяющей с помощью этой технологии передавать рыхлость материала, мягкость карандаша. Мы видим, как в этой почти незавершенной фигуре женщины, которая, стоя на сцене, обращается к публике, буквально несколькими движениями обозначаются силуэт, абрис невероятной выразительности фигуры, ее включенность в диалог с аудиторией.
— Любопытно, что выставка позволяет нам увидеть и сами образцы штампов для печатной графики.
— Экспозиция предоставляет возможность ознакомиться с самыми разными техниками печатной графики. К примеру, линогравюра — вид печатной графики, где линолеум используют в качестве основы для печати. Это новый вид искусства, возникший уже в ХХ столетии. Линолеум — синтетический материал, который за счет слабого износа основы может давать бесконечное количество отпечатков. Обратите внимание, например, на печатную графику Пикассо. На ней стоит цифровое обозначение 219/500 — первая цифра показывает номер оттиска из общего тиража в количестве 500 экземпляров. Обычно большей ценностью обладают первые оттиски, потому что они являются более качественными. Здесь мы также видим клише для линогравюры, металлическую пластину в технике сухой иглы.
— Расскажите, пожалуйста, нам и о Матиссе.
— В экспозиции есть один из ярких представителей значимого направления в искусстве начала прошлого столетия, получившего название «фовизм». Изначально этот термин использовали в язвительном и негативном ключе, так как происходит он от французского слова fauve — дикий, потому что художники стали использовать совершенно несовместимые цвета с точки зрения своих современников. Затем уничижительный оттенок постепенно исчез, а фовизм сохранился как явление в мире искусства. И в этом случае можно оценить, как его блистательный представитель Анри Матисс не только виртуозно работал с цветом, но и мастерски владел линией. Тончайший абрис, легкая линия не только создают ощущение конкретных предметов в пространстве, но и иллюзорность их состояния, глубину свето-воздушной среды. Только гениальный художник может создать такую завершенную композицию, едва наметив очертания предметов. Помимо натюрморта здесь представлены замечательные портреты, где прослеживается тот же принцип — всего лишь контур линий, создающий ощущение не просто сидящей в кресле фигуры, но передающий расслабленность женщины, ее состояние покоя. Другая женщина, закутавшаяся в платок, передает задумчивость, погруженность в себя. В случае с Матиссом разные технические приемы позволяют достичь и разных эффектов.
— Нельзя пройти мимо другого гения — Марка Шагала...
— И у Шагала совершенно замечательные работы. Его произведения уподобляются ошеломляющим фантасмагориям, соединяя самые разные реальные и вымышленные предметы в необычном контексте. Тема любви все время проходит через все его творчество. Он также сохраняет свое вдохновение русским народным искусством, стилистикой лубка. Где бы он ни жил после своего «изгнания» из России, в Европе или Америке, он часто наполнял свои картины образами родного Витебска и рано ушедшей из жизни любимой женщины.
— Отдельный интерес вызывают работы Сальвадора Дали в этой коллекции. Что можно отметить в них?
— Дали — один из самых неоднозначно оцениваемых художников, великий мистификатор и провокатор. Его композиции напоминают сны или галлюцинации. Я бы обратила особое внимание на символический портрет неизменной музы Дали — Галы. Здесь его возлюбленная изображена возносящейся в любовном экстазе на небеса. Образ, как обычно, аллегоричен, возвышен и демонстрирует нам вечную тему любви.
— Перейдем в другую часть зала, иллюстрированную не только образцами японской гравюры, но и невесомой инсталляцией из женского японского костюма, зонтика и цветов сакуры, созвучной сюжету одной из работ. Чем примечательна эта часть экспозиции?
— Здесь все представленные символы отсылают нас к бренности человеческого бытия. Коллекция представляет совершенно удивительное явление в мировой культуре — образцы японской печатной графики, получившей название «укиё-э», или «образы изменчивого мира». Эстетические каноны этого направления сформировались в период Эдо — в 1600-1868 годах, когда появилась национальная японская идея. Художники укиё-э фокусируются на таких темах, как прекрасные дамы, гейши, актеры театра Кабуки, любование природными явлениями. Этот вид гравюры оказал влияние на французскую живопись XIX века, а через нее — на живопись всех стран Европы. И в настоящей экспозиции можно увидеть этот живой диалог разных культур.
Надеемся, что наш читатель с удовольствием погрузился в это повествование и теперь придет на выставку подготовленным. Что касается истории искусства, то ее действительно определяют художники, решившиеся что-то изменить в ее традициях, создающие свой стиль, покоряющие талантом. Настоящая экспозиция демонстрирует образцы работ лучших из лучших мастеров мира. И так трогательно видеть все это очень близко.
